No passado, todos os criadores foram considerados artesãos. Não foi até faz 500 anos que os primeiros artistas surgirem da face das suas criações para se ganhar um lugar privilegiado dentro de nossas sociedades. Naquele ambiente primitivo, muitos elementos relacionados à criatividade ficaram juntos de uma maneira natural, ou seja, sem nenhum método ou restrição estabelecida, criando assim uma configuração de design sem restrições que deu lugar ao desenvolvimento cultural na escala local: um design que é naturalmente aberto.
1. A negação da coletividade da inovação Como eu disse ao principio, a expressão criativa tem trocado do propósito de ser um elemento mais da sociedade, para ficar num staus superior. A visão romântica de um gênio louco, trancado no seu quarto até achar a epifania foi parte fundamental de esta visão, e não foi sem os resultados de pesquisas recentes da antropologia como contexto da inovação que tem permitido negar (pelo menos academicamente) esta ideia. Por exemplo, de acordo com R. Keith Sawyer (Explaining Creativity, 2006), é importante analisar todas as influências externas ao indivíduo, o que quer dizer que o ato de criação é mais social do que todos nós pensávamos. “Para explicar a criatividade no somente devemos incluir estes enfoques contextualizados; em muitos casos devemos começar com eles”.
2. O fechamento parcial ou total das vias de transferência do conhecimento e aprendizagem Um dos principais problemas aparentes dentro de um sistema aberto é o plágio (muitas vezes atrevido demais) das obras. Por exemplo, para sociedades antigas, um dos métodos de pesquisa de informação cultural é a comparação geográfica entre as expressões artísticas, para desenhar uma linha de tempo entre obras similares entre artistas. A dizer a verdade, o plagio é um dos principais meios de desenvolvimentoartístico entre artesãos, ao ponto de que em muitos casos existe muito pouca variação entre as expressões artísticas entre diferentes autores. A solução para isto, para muitas pessoas, e o fechamento dos processos e ainda dos produtos para outros produtores, o isolamento dos estilos particulares e a criação de vantagens competitivas através dos segredos comerciais. Ao mesmo tempo isso desacelera a criação coletiva e aumenta os custos da produção, sem mencionar a fragmentação da identidade coletiva social.
3. A apropiação das expressões artísticas através da propriedade intelectualEntretanto que existem muitas abordagens que justificam a propriedade intelectual, o mais questionável tem que ver com a remuneração para aquele criador que tem investido esforço para a criação das suas obras. Porém, desde um ponto de vista social, uma grande parte deste conhecimento e esforço esta baseado na influência feita pelo entorno, de modo que a valoração do esforço, e portanto, da validade da propriedade como é avaliado hoje em dia. A inovação foi possível antes sem a necessidade de restrições ao uso das obras, ou também em muitos casos da copia (interna ou desde sistemas externos) foi importante para a inovação, e continua assim até hoje. A industria da moda é um exemplo de como a criação pode permanecer a mesma num oficio sem precisar de apelar à propriedade intelectual, permitindo assim o remix de influências de todos os tipos.
Como conclusão, o design aberto oferece um caminho já anteriormente recorrida por nossas sociedades. Procura a criação e disseminação de influências e a inclusão do criador como protagonista e membro da sociedade, sempre quando as maiorias podem ser também protagonistas de essas mesmas historias. Sharing is caring.
En el pasado, todos los creadores fueron considerados artesanos. No fue sino hasta hace 500 años que los primeros artistas surgieron de la faz de sus creaciones para merecerse un lugar privilegiado dentro de nuestras sociedades. En aquel ambiente primitivo, muchos elementos relacionados a la creatividad confluyeron de forma “natural”, es decir, sin ningún método ni restricción establecida, dando lugar a una configuración de diseño sin restricciones que permitió el desarrollo cultural a escala local: un diseño naturalmente abierto.
Un ejemplo que siempre me llama la atención es el de Nahuizalco, una ciudad al Oeste de San Salvador, en El Salvador. Su principal fuente de ingresos consiste en el diseño y fabricación de objetos de madera: artesanías decorativas, utensilios y muebles. Los artesanos de este lugar han adquirido sus destrezas por medio de diferentes fuentes, siendo las más importantes la innovación local, la influencia mutua dentro del sistema y las influencias externas.
Hoy en día las cosas no funcionan de la misma manera, debido al ‘desarrollo’ de conceptos tales como la visión de propiedad privada para la creatividad, así como la creación de restricciones sistémicas a la influencia mutua entre creativos. Algunas de las condiciones que limitan esta configuración multidimensional de la innovación son:
Como comenté al principio, la expresión creativa ha pasado de ser un elemento más de la sociedad a tener un estatus superior. La visión romántica de un genio enloquecido que se encierra en su habitación hasta encontrar la epifanía formó parte fundamental de esta visión, y no ha sido sino hasta recientes estudios de la antropología como contexto de la innovación que han permitido desmentir (al menos académicamente) esta idea. Por ejemplo, de acuerdo con R. Keith Sawyer (Explaning Creativity, 2006), es necesario analizar todas las influencias externas al individuo, lo cual implica que el acto de crear es más social de lo que creíamos. “Para explicar la creatividad no solamente debemos incluir estos enfoques contextualizados; en muchos casos debemos iniciar con ellos.”
2. El cierre físico parcial o total de las vías de transferencia de conocimiento y aprendizaje
Uno de los principales problemas aparentes dentro de un sistema abierto es el plagio (muchas veces descarado) de las obras. Por ejemplo, en sociedades antiguas, uno de los métodos de recopilación de información cultural es la comparación geográfica de las expresiones artísticas para dibujar una línea de tiempo entre obras similares entre artistas. A decir verdad, el plagio es uno de los principales medios de desarrollo artístico entre artesanos, al punto de que en muchos casos existe muy poca variación entre expresiones artísticas de diferentes autores. La solución a esto para muchas personas es el cierre de los procesos e incluso de sus productos para otros productores, el aislamiento de estilos particulares y la creación de ventajas competitivas a través de los secretos del oficio. A su vez, eso ralentiza la creación colectiva y aumenta los costos de producción, sin contar de la fragmentación de la identidad colectiva social.
3. La apropiación de las expresiones artísticas por medio de la propiedad intelectual
Mientras que existen muchos enfoques que justifican la propiedad intelectual, el más debatible consiste en la remuneración para aquel creador que ha invertido esfuerzo para la creación de sus obras. Sin embargo, desde un punto de vista social, gran parte de este conocimiento y esfuerzo está basado en la influencia ejercida por el entorno, por lo que la valoración del esfuerzo, y por ende, de la validez de la propiedad como es evaluado actualmente. La innovación fue posible anteriormente sin necesidad de restricciones al uso de las obras, así como en muchos casos la copia (interna o a sistemas externos) fue importante para la innovación, sigue siendo hoy en día. La industria de la moda es un ejemplo de como la creación puede mantenerse en un rubro sin necesidad de recurrir a la propiedad intelectual, permitiendo así el remix de influencias de todo tipo.
En conclusión, el diseño abierto ofrece un camino ya anteriormente recorrido por nuestra sociedad. Busca la creación y diseminación de influencias y la inclusión del creador como protagonista y miembro de la sociedad, siempre y cuando las mayorías puedan ser también protagonistas de las mismas historias a la vez. Sharing is caring.